El arte en la posguerra: el pop art emerge del final de las vanguardias

El surgimiento del fascismo, primero, y del nazismo, luego, y la tragedia de la Segunda Guerra Mundial trajeron como consecuencia el final de las vanguardias estéticas en Europa. Hitler, desde su entronización como canciller de Alemania en 1933, calificó directa y brutalmente a aquellas creaciones artísticas como arte degenerado y las consideró pletóricas de influencias bolcheviques y judías. En el temprano 1937, el Guernica creado en París por Picasso ya anticipó un período oscuro para el arte y la humanidad. Los artistas que no lograron abandonar Europa terminaron en los campos de concentración y en el peor de los casos en las cámaras de gas. Esta concepción retrógrada del arte moderno no impidió que los nazis se hicieran con mas de 600.000 obras de distintos tipos, antes y durante la contienda bélica. De este a oeste del continente, las tropas del III Reich saquearon museos, galerías y colecciones privadas (muchas de ellas de millonarios judíos deportados). No todo ese patrimonio pudo ser recuperado al finalizar el conflicto.

La destrucción provocada por la guerra fue de tal magnitud que el movimiento moderno, surgido en los primeros años de la posguerra, buscó un nuevo comienzo para el arte y nuevas corrientes empezaron a emerger. Como señalamos en un artículo anterior, la vitalidad creativa del modernismo cruzó el Atlántico y convirtió a Nueva York en su centro mundial, entronizando al Museum of Modern Art (MOMA) como el templo consagratorio. La tragedia y las matanzas de millones de personas produjeron en los artistas una crisis de identidad. 

La economía de los Estados Unidos consiguió realizar una rápida transición de la producción bélica a la orientada al consumo de masas a pesar de los nubarrones en el horizonte, que asomaron con los prolegómenos de la guerra fría. Nueva York se convirtió en una metrópoli cosmopolita y creativa de una magnitud que plantó cara a París como faro cultural. La capital francesa otrora había sido el epicentro de las vanguardias en la primera mitad de siglo XX. 

Entre las nuevas corrientes que surgieron se destacó en los 50 el expresionismo abstracto.

Como su nombre connota, fue un cúmulo de artistas que crecieron con la abstracción y la impronta que dejó el expresionismo alemán de preguerra, pero le sumaron ingredientes de surrealismo y automatismo psíquico. Esta movida pictórica se centró en el lienzo y patentó la técnica del action painting (pintura espontánea). El artista más reconocido de esta novedosa metodología creativa fue Jackson Pollock. quien afirmaba: "Intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre". El lienzo, por tanto, ya no era un límite a la pintura.

Pero, sin dudas, ese período que se abrió en la posguerra trajo aparejada la consolidación del consumo de la cultura de masas, particularmente en EE. UU., pero de allí se irradió hacia las naciones bajo su influencia económica y cultural, como Europa occidental, Latinoamérica y gran parte de Oriente. Las series de televisión de aventuras, las revistas y cómics y el cine de superhéroes inundaron los escaparates del entretenimiento, hechizando a millones de niños, jóvenes y no tanto, en los años 50 y 60. La industria cultural, que vaticinaron los filósofos de Frankfurt, llegó a su máxima expresión y adquirió dimensiones colosales por los enormes capitales que atrajo y los miles de millones de consumidores que generó en buena parte del mundo. 

De aquel boom del consumo capitalista y la cultura de masas, el mundo del arte se hizo eco y parió un movimiento creativo que marcó a los denominados Años Dorados: el arte pop o pop art (arte popular). En un sentido distinto al dadaísmo, el pop consagró un nuevo canon estético, apelando al uso de objetos, figuras y cuestiones claramente mundanas: la publicidad, los cómics, el cine y objetos de consumo triviales. La representación de la obra pop se encontró lejos de un rigor academicista, pero tampoco anidó en lo figurativo formal o la abstracción; apeló, en una justa medida, a la sencillez creativa y al impacto visual. Dos ejemplos muy claros de esta usina artística fueron la famosa lata de sopa de tomates Campbell’s convertida en objeto artístico por Andy Warhol, uno de los artistas más reconocidos de EE. UU., de la segunda mitad del siglo XX. El otro fue su reproducción del rostro de Marilyn Monroe y su famosa sonrisa, símbolo de la sensualidad y el despertar sexual que explotó en esa época. 

En un sentido estético alejado de lo popular y de la realidad cotidiana, pero apelando a un elitismo con cierta orientación cool, para mediados de los 60 aparecieron otros dos movimientos creativos singulares de la posguerra: el minimalismo y el arte conceptual. Al respecto, el especialista Ard Doko señaló sobre ellos: "El minimalismo se centra más en el objeto y la forma, en cierto modo como una forma exagerada de arte abstracto. El uso de formas geométricas podría estar vinculado a Malévich y el suprematismo. Para el arte conceptual, la idea y la historia son más importantes que el propio objeto. En ambos casos, ambos movimientos dependen en gran medida del contexto y la presentación". Un fenómeno paralelo fue la consolidación de grandes centros culturales, con herramientas y espacios más versátiles de exposición que los antiguos museos. Algunos se construyeron como una obra de arte en sí mismos: el Centro Pompidou en París, los Guggenheim (Nueva York y Bilbao) y el más reciente Tate Modern de Londres.  

La complejidad de interpretar y comprender el arte moderno estuvo dada quizás, porque el sentido rupturista con el cual surgieron las vanguardias de principios de siglo se mantuvo a pesar de la desaparición de estas. Cada movimiento nuevo planteaba una reacción a los estándares creativos establecidos e interpelaba a la sociedad a su manera, con sus sentidos, sus obras y sus críticos.