Historia del cine: los años 70 llegan con una renovación narrativa y estética global

Esta semana, salimos del foco latinoamericano de la historia del cine en el siglo pasado y retomamos el panorama global que veníamos desarrollando en esta serie. En la nota anterior revisamos hasta la década del 60 y la resurrección del cine europeo. En el decenio siguiente, particularmente en Hollywood, surgió una camada de directores que le imprimieron una renovación estética al cine norteamericano, que ya mostraba signos de agotamiento en su versión clásica. Entre los destacados podemos mencionar a Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg y George Lucas, quienes procesaron el impacto del neorrealismo y la nouvelle vague de Europa, y el cine independiente vernáculo apelando a historias más oscuras e intrincadas para narrar visualmente. A diferencia de la generación anterior, la figura del director se transformó en un sello de identidad del cine, porque ya no solo se limitaba a dirigir, sino que participaba en todos los detalles de la producción, y muchos contaban con formación específica en universidades. La tecnología a su vez permitió reducir el tamaño de los equipos, lo que aportó  nuevas técnicas de registro. 

La película que se considera inaugura esta nueva etapa es El padrino (1972), de Coppola, con una magistral actuación de Marlon Brando. Unos años después, repitió la fórmula para realizar Apocalypse Now (1979), obra maestra que denuncia la tragedia de la guerra de Vietnam, estrenada en medio de las protestas estudiantiles por el fin del conflicto en los campus de las universidades norteamericanas. Una de las formas narrativas que tuvo eclosión en esta época fue el formato de suspenso que había inaugurado Hitchcook en los años 50, junto a la aparición de directores más jóvenes como Brian de Palma con la atrapante Carrie (1976), sobre una novela del exitoso escritor de novelas de terror Stephen King. Otro de los directores que creó una narrativa propia fue Martin Scorsese, que dirigió la aclamada Taxi Driver (1976), mostrando a un joven Robert de Niro y a la casi adolescente Jodie Foster. 

Mientras tanto Spielberg y Lucas, grandes creadores, le dieron al cine como entretenimiento una nueva dimensión con mega producciones que arrasaron taquillas. Lucas creó en 1977 la saga más grande de la historia del cine: La guerra de las galaxias, que aún sigue vigente. Spielberg, por su parte, comenzó con dos filmes emblemáticos, Tiburón (1975), y Encuentros cercanos del tercer tipo (1977), sobre historias de contacto extraterrestre. Otros directores muy particulares que integraron esta camada son el neoyorkino Woody Allen y los europeos Román Polanski y Milos Forman. Por otro lado, a comienzos de los 80 empezó un boom del cine independiente americano que se emparentó con el auge del alto arte pop y la figura creativa de Andy Warhol, pero cuyo precursor había sido el director de culto John Cassavetes. Allí surgió otro alegato antibélico, la sátira MASH (1970) de Robert Altman, luego transformada en serie de TV.  

En Europa, para los años 70, sin tantas producciones millonarias, el cine se renovó con el surgimiento de directores como Stanley Kubrick y su descarnada y violenta Naranja mecánica (1971), que anticipó el reinado del punk en la Gran Bretaña que preludiaba el avance neoliberal del thatcherismo. Dos grandes herederos de la enorme tradición del cine italiano fueron, Luchino Visconti, que presentó en el 71 la adaptación de la obra de Thomas Mann Muerte en Venecia, y Federico Fellini, que estrenó la magistral Amarcord (1973). Del norte llegó un nuevo cine minimalista e intimista de un gran director como el sueco Ingmar Bergman, con un filme centrado en mujeres como fue Gritos y susurros (1972). La nouvelle vague se retroalimentó a su vez con nuevos trabajos emblemáticos como La noche americana (1973), de Truffaut. 

Para hispanoparlantes como nosotros, merece un párrafo aparte el resurgimiento del cine español con la transición democrática iniciada en 1975 por la muerte de Franco. Lo que se conoció como el cine del destape español, lo pudimos ver en la Argentina recién después de 1983 con la asunción de Alfonsín como presidente. De esa avanzada ibérica se puede destacar a Vicente Aranda, pionero en tratar la transexualidad en el cine con Cambio de sexo (1977) y una sensual Victoria Abril en el protagónico. Otro fue José Luis Garcí, director de dos grandes películas, que no interpelaban la dictadura franquista, pero narraban historias modernas en una España en pleno cambio. 

Ellas fueron, Asignatura pendiente (1977), donde conocimos al actor después casi adoptado como argentino José Sacristán, y Volver a empezar (1982), que ganó el primer Oscar ibérico en Hollywood. El vasco Montxo Armendáriz presentó La muerte de Mikel (1984), con un exitoso Imanol Arias en el rol principal. Una mención destacada merece Pilar Miró, que dirigió una gran obra del nuevo cine español como El crimen de Cuenca (1980), donde denunciaba la opresión que sufrieron los habitantes pobres del interior profundo español a principios del siglo XX. 

Por último, las novelas de Camilo José Cela, La colmena, y Los santos inocentes, de Miguel Delibes, fueron llevadas al cine por Mario Camus en 1982 y 1984, respectivamente con buen suceso. 

En suma, a pesar de la transformación del sistema mundo en los años 70, debido a la crisis del petróleo y el principio del ocaso del Estado de bienestar, el cine como expresión artística moderna asistió a una renovación estética y narrativa fenomenal, con la emergencia de nuevas formas de construir el lenguaje audiovisual y el fin del cine clásico épico de carácter testimonial, con lecturas superficiales de la realidad humana como los grandes filmes de los años 50. Por ejemplo, comparar un filme clásico bélico de los años 50 como la gran obra de David Lean El puente sobre el rio Kwai (1957), con una película como la que produjo Francis Ford Coppola sobre Vietnam poco más de dos décadas después, hablan por sí solas de la renovación del cine como arte combinado e integral. En esos años también se introdujeron otros registros como el producido por el genial Akira Kurosawa en Japón, o el impacto que significo la película soviética Moscú no cree en lágrimas, de Vladimir Menshov, que obtuvo en 1980 el

Oscar a mejor filme extranjero. Dicen periodistas de la época que, en los 80, Ronald Reagan le confesó a Gorbachov que amó ese filme ruso y lo vio varias veces.