Contraculturas: música electrónica, de la experimentación a la masividad global

Uno de los campos artísticos que más evolucionó durante el siglo pasado fue el de la música, sin lugar a duda, y por varias razones. Entre ellas se puede mencionar al surgimiento de nuevos géneros como el jazz, rock and roll y tango, entre otros; también ocurrió el perfeccionamiento y evolución constante de los registros sonoros para reproducir música con artefactos eléctricos y también la aplicación de la electricidad a instrumentos como la guitarra para generar nuevos sonidos. Fueron algunos hitos que revolucionaron el mundo de la música popular. 

Uno de esos géneros nuevos donde comenzó tempranamente una interesante experimentación fue el de la electrónica ya que los primeros dispositivos capaces de generar sonido con electricidad datan de 1920.

El famoso órgano Hammond (1935) fue el instrumento que popularizó el sonido electrónico en la música comercial. En la posguerra después del 45 la irrupción del arte concreto tuvo su correlato musical propuesto por los franceses Schaeffer y Henry, quienes grabaron sonidos de la naturaleza y los manipularon electrónicamente con técnicas como la variación de velocidad o el filtrado de frecuencias usando cinta magnética.

En los años 50, en la Alemania Federal occidental, compositores como Stockhausen, del Estudio de Música Electrónica de Colonia, fueron los pioneros en generar sonidos exclusivamente con aparatos electrónicos (osciladores, generadores de ruido), sin recurrir a la grabación de sonidos preexistentes. Con los avances tecnológicos, en la década del 60 se inventaron los sintetizadores modulares, como el Moog (1964), que bajó el costo de la creación de sonidos electrónicos, antes reservado solo a estudios de audio muy sofisticados.

En los 70, el país teutón fue precursor del surgimiento de bandas como Kraftwerk y Tangerine Dream, que fusionaron el rock y la experimentación electrónica. La primera se convirtió en agrupación de culto con un perfil minimalista, robótico y futurista, sentando las bases de muchos géneros electrónicos posteriores. En la misma década, surgió la exitosa música disco, ideada por productores como Giorgio Moroder, que incorporaron sonidos de sintetizador y cajas de ritmo, llevando la electrónica a la pista de los locales bailables como el emblemático y neoyorquino Studio 54, y así reinar en la cultura masiva.

Con un perfil más conceptual y personal, el productor inglés Brian Eno fue pionero en la música ambient, usando la electrónica para crear paisajes sonoros y atmósferas particulares. En 1991 seria clave su tarea en el cambio de sonido de la banda irlandesa U2 produciendo su multipremiado álbum Achtung Baby.

En los 80, los avances en las tecnologías de la información posibilitaron el auge del dance y sus sonidos decididamente digitales. En 1983, la tecnología MIDI (Interfaz Digital de Instrumentos Musicales) permitió que diferentes instrumentos electrónicos y ordenadores se comunicaran y sincronizaran, revolucionando de esa manera la producción musical y el mercado de la música.

Por esos años explotó el synth pop, con bandas de sintetizadores hiperproducidas como las exitosas Depeche Mode, New Order y Pet Shop Boys, que llevaron a los sonidos elaborados con mezclas de instrumentos y computadoras a la cima de las listas de éxitos, fusionando la electrónica con estructuras pop ya consolidadas en todo el mundo.

La popularización también de las computadoras de escritorio, que redujeron sus costos, trajo al ruedo al house (música hecha en casa), inventado en Chicago en los años 80, en clubes como The Warehouse, con DJs como Frankie Knuckles, influenciado por el disco y utilizando la máquina de ritmos Roland TR-808, una marca clave de los sintetizadores junto con Yamaha y Korg. 

También surgió en ese tiempo el techno, paradójicamente en la megaurbe industrial de Detroit, apalancada en las obras de artistas como Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson (The Belleville Three), quienes crearon sonidos industriales y futuristas utilizando equipos como el mencionado Roland TR-808 y el sintetizador TB-303. 

La globalización económica y del mainstream cultural de los años 90 con el final de la Guerra Fría provocó la expansión de nuevos subgéneros, sobre todo en la música electrónica de baile. El dance se diversificó enormemente, con géneros como el Trance, el Drum and Bass/Jungle (escena underground británica), el hardcore y la electrónica más experimental (IDM). 

En 1987, los DJ británicos Paul Oakenfold y Danny Rampling viajaron a Ibiza y quedaron cautivados por el ambiente de libertad, la mezcla de géneros y la experiencia comunitaria que se generaba en las fiestas, ligada al consumo de sustancias psicoactivas. De regreso en su país, las restricciones municipales estrictas de Londres, les dieron la idea de utilizar viejos almacenes y fabricas –abandonadas por las medidas tatcherianas– para organizar fiestas clandestinas hasta cualquier hora y sin restricciones. De esa forma nacieron las raves –fiestas secretas e ilegales–, donde la ubicación se revelaba a último momento, mediante mensajes codificados, y otros métodos que crearon un gran sentido de aventura y comunidad.

La cultura rave se articuló en torno a principios de contracultura, conocidos como PLUR  (Peace, Love, Unity, Respect, es decir, Paz, Amor, Unidad, Respeto), promoviendo la inclusividad, el colectivismo y la autoexpresión, en un momento en que Gran Bretaña experimentaba dificultades económicas y una opresión bajo el gobierno de Thatcher. La fama de estos encuentros desenfrenados creció exponencialmente y se expandió al mundo, así los eventos pasaron de unos cientos de personas a reunir a miles en grandes espacios a cielo abierto como el Sunrise Rave de 1988. 

El surgimiento de otras grandes bandas como The Prodigy, The Chemical Brothers y Daft Punk empujaron la electrónica a audiencias globales, cerrando el siglo con una presencia masiva en la cultura popular. La música electrónica pasó entonces de la antigua experimentación a la masividad durante el siglo XX, sus rasgos no solo se definieron por sus tantísimos géneros, sino también por la constante colaboración entre artistas, científicos e ingenieros, que utilizaron la tecnología para desafiar las nociones tradicionales y ortodoxas de lo que significa hacer música.